Художники 18 века и их картины, Weiterleitungshinweis
И никакими атрибутами это не скрыть. Сатурн, пожирающий своего сына. Сэр Эдвард Бёрн-Джонс художник-романтик, соратник Россетти; виртуоз абстрактного линейного узора. Портрет В. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.
Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу ». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание. На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю. В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно — «Вывеска лавки Жерсена». Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.
Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено. Аллегорически, конечно — портрет Людовика убирают в ящик. И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник. Плодотворный период художника длился всего 12 лет!
Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве рококо. Жан-Батист Симеон Шарден признанием при жизни был обделён. А зря — его работы являются величайшим достижением реализма в живописи. Больше всего он любил писать… фрукты.
Даже когда Шардена сделали членом французской Академии, обозначали его как «изобразителя плодов». Шарден не вписывался в эпоху рококо. Он принципиально игнорировал моду на изящные сюжеты и парадные портреты. Он был художником «третьего сословия». Но в результате его работы оказались вне времени. Невольно удивляешься, сколько любви к окружающему миру читается в его картинах.
Кажется, Шарден восхищался буквально всем, что видел вокруг. Ярким примером такого особого взгляда на жизнь является картина «Медный бак». В этой простоте мастер видел поэзию. Цветом он передаёт полированный блеск от множества прикосновений рук, игру солнца на медных боках. Это больше, чем натюрморт. Это образ, полный благородства. И никакая простота предмета не может нивелировать это. Только самые прозорливые современники сумели по достоинству оценить Шардена.
Например, Дидро. Да и как можно не восхищаться честностью и наблюдательностью художника. Модный парик, чопорный костюм, тугой шейный платок, строгая осанка. Но Шарден показывает, что это всего лишь мальчик, которому свойственно любопытство и живость характера.
И никакими атрибутами это не скрыть. Художник был преданным семьянином. Даже на автопортрете он предстаёт перед нами в домашнем колпаке, этаким добрым дедушкой.
Это уже немолодая женщина, но как много здесь преданности и искренности. И это во времена, когда от портрета ждали декоративности и вычурной красоты. Что ж, Шарден смело двигался своей дорогой. Он предпочитал манерности простой рассказ о жизни, о людях и их быте. Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину.
Полотна и их описания смотрите по ссылке. Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.
Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников. Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.
Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы. А здания вокруг — это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени!
Ну как тут не вспомнить об импрессионистах? Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне.
И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении. Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу». На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная.
Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится. Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто! Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба.
Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто! В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей. Подробности здесь. Личность Лиотара загадочна. А его жизненный путь полон белых пятен. Например, до сих пор биографы гадают, почему он одевался как турецкий поданный.
Но известно, что он был 13 ребёнком в семье и получил первое образование, как миниатюрист. После были годы странствий, о которых мало что известно. Здесь можно воочию увидеть, за что мастер так любил пастель. Мягкие линии, плавные цветовые переходы, реалистичное изображение деталей и, конечно, нежный колорит. Сам художник упоминал, что живопись — это зеркало всего прекрасного, и только пастель позволяет реалистично передавать восхитительный окружающий мир.
Казалось бы, до «галантного века» Ватто рукой падать, а Лиотар предлагает нам совсем другую красоту. Парадный портрет и декоративность отметены в сторону. Мастер отказывается от фона, чтобы его герои не смогли «спрятаться» за пышные витиеватые декорации.
Придворным дамам не всегда был по вкусу такой вот прямолинейный подход. Личность прекрасной героини породила немало мифов. О части из них я рассказываю в статье про эту картину.
Взгляд модели в сторону разрушает все каноны классического портрета. Нейтральный фон делает изображение ещё более рельефным. После эпохи рококо, когда портреты отличались манерностью и изобилием деталей, «Шоколадница» Лиотара стала просто откровением. Фотографическая правдивость обескураживала и восхищала публику. Рассказ о мастере был бы не полным без какого-либо «королевского портрета». Молодой юноша предстаёт перед нами в пол-оборота. Мы не видим пышных одежд, атрибутов королевской принадлежности.
Зато сразу наше внимание привлекает румянец на щеках героя: перед нами всего лишь юноша, хоть и принц. Лиотар — это пример независимости и правдивости в искусстве. От современников нам осталась любопытное изречение, которое многое говорит об этом художнике: «Он наблюдал, как работают другие, и делал всё по-своему!
Антон Рафаэль Менгс также подустал от излишней пышности рококо, но не стал идти неведомыми тропами. Он призывал объединить выверенность классических канонов античного искусства с лучшими находками мастеров Возрождения. Нужно взять всё лучшее у лучших.
Что может быть проще? Что ж, публика была только «ЗА». Самые знатные люди эпохи позировали Менгсу. Например, Курфюстр Фридрих Кристиан. Работа явно выполнена в классическом стиле. Никакой излишней драматизации барокко, скрупулёзной фотографической точности реализма и экспериментов со световыми эффектами импрессионизма. Герой портрета выглядит, как идеальный представитель своего сословия. Дорогое одеяние, уверенный взгляд, гордая осанка, правильные черты лица.
Немного полноват, но тогда это было признаком достатка. Современники называли портреты Менгса слишком холодными. Но он всего лишь следовал точным правилам композиции, светотени и перспективы. Посмотрите на работу мастера «Рождество». Кажется, что перед нами картина эпохи Ренессанса. Нет, это Менгс. Живописец считал, что художники Возрождения обладали безупречным вкусом.
И нет ничего плохого, чтобы им подражать. Композиция «Рождества» выполнена в ренессансном стиле — чёткое разделение на мир земной и мир небесный.
 Рокотов, портрет Александры Струйской.jpg)
Позы, конечно, несколько наиграны. Но зато фигуры очень удачно расположены в пространстве. Также цвета идеально подобраны под стать сюжету. Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму обозначился в конце х годов, вместе с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина.
Крамским отказались писать дипломную картину на предложенный сюжет "Пир в Валгалле" и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии, образовав независимую Артель художников. Второе событие - создание в году "Товарищества передвижных выставок", душою которого стал тот же И.
Передвижники были едины в своем неприятии "академизма" его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые бытовые сцены. Особой симпатией "передвижников" пользовалось крестьянство. В ту пору - в е годы XIX века - идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Но нельзя сказать, чтобы Академия художеств не выдвигала талантов.
Лучшие традиции академизма нашли развитие в великолепных полотнах мариниста, представителя романтизма Ивана Айвазовского. Собственно из стен Академии вышли многие выдающиеся художники. В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Некрасова.
Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Иван Николаевич Крамской — , русский художник жанровой, исторической и портретной живописи. Жертвовать ли собой ради борьбы за справедливость, за высшие идеалы, или поддаться чувству самосохранения, замкнуться в личном благополучии?
Вся жизнь и творчество Крамского - ответ на этот вопрос. Художник большого творческого темперамента, глубокий и оригинальный мыслитель, он всегда боролся за передовое реалистическое искусство, за его идейность и демократическую содержательность. Христос в пустыне, Крамской Портрет писателя Льва Николаевича Толстого, Крамской Неизвестная. Крамской Иван Константинович Айвазовский. Художник Маринист, оставил великое наследие своего творчества, которым не возможно не восхищаться.
Его работы и по сей день самые заметные и обсуждаемые, имеющие огромную ценность для всего изобразительного искусства начиная с 19 века. Айвазовский за свою биографическую историю написал более шести тысяч картин, все это говорит о руке великого непревзойденного мастера, страстного любителя моря и всего связанного с ним. Девятый вал. Айвазовский Константинополь при луне.
Репина, В. Сурикова и В. Картины Репина это целые миры, пережившие их создателя и живущие своей самостоятельной жизнью, в сердцах и умах миллионов.
Галерея созданных Репиным образов необычайно разнообразна и широка. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не менее грандиозно, чем "Бурлаки на Волге", - полотно "Крестный ход в Курской губернии".
Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки - все уместилось на этом полотне: и величие, и сила, и немощь, и боль России.
